Ayer se estrenó en dvd sin que casi nadie se enterara, la obra maestra de Henry George-Clouzot, el llamado "Hithcock francés", apodo que lejos de ser una magnífica comparación, siempre fue una lacra para el director de Las diabólicas. Controvertido y polémico por sus ideales (fue tildado de fascista durante años, al igual que su film El Cuervo). En 1953 compró los derechos de la obra de Georges Arnaud, El salario del miedo. La película protagonizada por Ives Montand narra la historia de un grupo de norteamericanos atrapados en un pueblo de algún país de sudamerica, los cuales no tienen dinero suficiente para volver a su país, por lo que aceptan transportar un camión de nitroglicerina por una ruta, con el consiguiente riesgo para sus vidas. Para los que no hayan visto la película, intenten imaginarse la premisa de suspense y tensión que plantea la cinta, todo ello entremezclado con una trama interna de personajes torturados por su pasado y por la maldad humana, latente en cada plano del film, así como la caída a los infiernos de un hombre, Mario, el personaje magistralmente interpretado por Ives Montand. La película además, contiene un trasfondo de crítica hacia la explotación de los países tercermundistas (impagable ese plano del oleoducto petrolífero en llamas), aunque no tan marcado como en el texto en el que se basa.

El film es un carrusel constante, una barraca de feria que hace subir y bajar el ritmo del relato, manteniendo el corazón del espectador en un puño, mezclando lo mejor del cine de aventuras con el de suspense. Entre las actuaciones, está presente la de Vera Clouzot, omnipresente mujer del director, que como siempre juega a engatusar al espectador con sus encantos ocultos, casi ambiguos. La película es una colección de fragmentos inolvidables para la retina del espectador, como el plano del cigarrillo de liar (una de las mejores elipsis de la historia del cine) o la secuencia en la que caen al yacimiento, quedando completamente ennegrecidos. El epílogo del film no deja de ser una muestra más del circo que nos presenta Henry-George Clouzot en El salario del miedo, una película casi desconocida para el gran público, pero que esperemos llegue a más gente con su inminente edición en dvd (pelada de extras, para variar). Un peliculón, hablando claro.

Pido públicamente perdón a todos los despistados que se pasan por aquí de vez en cuando por una semana de ausencia forzosa. Y es que han sido unos días muy completos, es lo que tiene la semana post-exámenes, y lo que queda. Entre otras cosas servidor se ha agarrado una borrachera descomunal, ha sufrido los efectos de una resaca monstruosa durante una dura jornada laboral (lo de dura, no va en serio), ha empezado a montar UNA PUERTA CERRADA, lo que me llevará gran parte del verano, ha hecho los preparativos para un futuro viaje a tierras anglosajonas, ha disfrutado con la berborrea mítica de un Rafael Azcona en estado de gloria, secundado por un siempre entrañable Alex De La Iglesia, ha visto como un guitarrista se esnucaba delante de sus narices, se ha involucrado en un nuevo proyectillo audiovisual... en fín, una semana de excesos, acontecimientos espectaculares y absurdeces varias. Ahora toca levantar esto otra vez.

AVANCE PROGRAMACIÓN:

Sección Oficial Fantàstic
LEMMING, de Dominik Moll; THE DARK, de John Fawcett; MIRRORMASK, de Dave Mackean; YOKAI DAISENSO, de Takashi Miike y FRAGILES, de Jaume Balagueró.
La película con participación española TEMPESTA, de Paul Tickell, se proyectará como sesión especial fuera de concurso.

Noves Visions
WHAT THE BLEEP DO WE KNOW?!, de Marck Vicente, William Arntz y Betsy Chasse; THE GIRL FROM MONDAY, de Hal Harley y ELI, ELI, LEMA SABACHTANI?, de Shinji Aoyama.

Orient Express
Destaca la retrospectiva y la publicación de un libro sobre el director Johnny To y el protagonismo del cine tailandés.

Europa Imaginaria
RECONSTRUCTION, de Christopher Boe (Dinamarca); L’ANNÉE DERNIÈRE À MARIENBAD, de Alain Resnais (Francia); LE FANTÔME DE LA LIBERTÉ, de Luis Buñuel (Francia); JOAN OF ANGELS, de Jerzy Kavalerowicz (Polonia), BENNY’S VIDEO, de Michael Haneke (Austria), DANZA MACABRA, de Antonio Margheritti (Italia) y TEOREMA, de Pier Paolo Pasolini (Italia).
La sección Anima’t dedicará una especial atención a la animación europea y Seven Chances seguirá siendo la Semana de la Crítica del Festival.

Catalan Focus, antes denominado Audiovisual català y la sección Nova Autoria continuarán con el mismo concepto que en ediciones anteriores.

CONMEMORACIÓN DEL 30 ANIVERSARIO DE TIBURÓN
Se programarán diferentes actividades con motivo del 30 Aniversario de TIBURÓN, entre ellas, la edición de un libro y la proyección del documental THE SHARK IS STILL WORKING. Además contaremos con la presencia de personalidades relacionadas con la película de Steven Spielberg.

PREMIO LA MÀQUINA DEL TEMPS: ÁLEX DE LA IGLESIA
En esta ocasión será el director Álex de la Iglesia quien reciba el premio La Màquina del Temps. El homenaje incluirá la publicación de un libro y la proyección de la tv-movie LA HABITACIÓN DEL HIJO, producida por Filmax y Estudios Picasso para la serie Historias para no dormir.

Aprovecho el refugio digital que me proporciona este blog para promocionar uno de esos cortometrajes que rezuman talento por los cuatro costados. Personas Mayores, del cordobés Suda Sánchez es una buena muestra de mala baba y aire fresco que pocas veces se ve en el corto nacional rodado en vídeo y cuyos matices ya abordó el cineasta en el interesante pero irregular Superrr. El resultado es magnífico, casi diez minutos de humor negro, buenas actuaciones, momentos visuales muy acertados y sobretodo grandes homenajes a los clásicos. Y es que no es casual que en los agradecimientos (¡en los que aparezco!) se nombre a maestros de la talla de Terence Fisher o Sergio Leone, ya que el corto es una especie de suma bizarra entre un spaghetti western (el magistral duelo entre los abueletes y esos primeros planos de presentación de personajes, en los que se juega con la profundidad de campo) y un clásico de la Hammer Films (la música, el uso de la luz y los títulos de crédito nos lo recuerdan irremediablemente).

Entre los papeles protagonistas destacan El celador, interpretado por el incombustible Alvaro Manso (uno de los protagonistas de Una puerta cerrada), al que el papel de pasao le va como anillo al dedo y sobretodo El coronel, el gran descubrimiento de la película, hecho anecdótico si tenemos en cuenta que el actor posee más de ochenta años y seguramente una carrera profesional más que destacable a sus espaldas. Personas Mayores es por tanto un excelente coctail de referencias, un más que interesante cortometraje donde se opta por una narración clásica y equilibrada, dejando de lado las actuales y ya cansinas tendencias videocliperas, donde quizá la única pega es la escasez de duración (la premisa daba para mucho más), algún que otro corte de diálogo forzado y la deficiencia del sonido, lo cual seguramente es debido al servidor donde el corto está alojado.

Muchas veces uno se da cuenta de que para hacer una película, no es necesario seguir los procedimientos establecidos. Para muchos, el cine es la suma de una historia, más unos actores que la representan y un hombre que les dirige tras las cámaras. Sin embargo, olvidamos lo que realmente es, emoción y sensaciones transmitidas a través de imágenes. Y esto es así desde que los Lumiere le dieran a la manivela hace más de 100 años. Por eso ningún crítico metería La Jetée entre las mejores películas de la historia. Primero por su duración, 25 minutos, y lo segundo, por la composición de la imagen. Para el que no haya visto esta película, debe saber que La Jetée está formado única y exclusivamente por fotografías concatenadas, una excelente banda sonora y una voz en off a modo de narrador. Estos tres elementos forman una película de ciencia ficción alejada de grandes presupuestos, con unos dotes de credibilidad narrativa que ya quisiera para sí Campo de Batalla: La tierra.

La Jetée narra la historia de un hombre marcado por la imágen de una mujer en un muelle que captó durantes su infancia. Francia ha sido arrasada por las bombas desencadenando la III Guerra Mundial, la tierra es un lugar inhabitable debido a la radioactividad y los seres humanos están obligados a ocultarse en cuevas. En estos campos de reclusión, el hombre es elegido por unos científicos para realizar con el un experimento el cual le va a permitir viajar en el tiempo manteniendose en el espacio. Esto hace que pueda viajar al pasado y vivir un romance con aquella mujer que marcó para siempre su existencia. El film de Chris Marker es probablemente, el mejor cortometraje jamás realizado de la historia del cine. La belleza de sus imágenes va más allá de su excelente fotografía, la composición de los planos y todos los detalles cuidados al máximo hacen de La Jetée una experiencia cinematográfica inigualable. Una película que seguramente haya influenciado sobremanera a directores como Terry Guilliam (12 monos) y a Los Hermanos Wachowski para sus sendas visiones apocalípticas del futuro. Un foto-romance, una historia de amor atemporal rodada en el año 1965 que todo aquel que disfrute con esto del cine tiene que ver obligatoriamente. Una obra maestra, en resumidas cuentas.

A Smith (ni a sus productores) no deben haberle sentado demasiado bien las brutales críticas recibidas por la (supuestamente) infame (digo supuestamente, porque aun no la he visto) Jersey Girl, en la que nuestro admirado Ben Affleck lucía palmito J-Lo. Por eso y frente al pasado descalabro de taquilla, Smith ha decidico volver a lo que realmente se le da bien, comedias urbanas ambientadas en su barrio natal New Jersey, las cuales le dieron la fama que aún hoy conserva con su famosa trilogía. El hecho es que Kevin Smith ha pasado de ser un cineasta independiente de culto gracias a films como Mallrats y Chasing Amy a ser un director de estudio con su último film y sus intentos frustrados de meter mano en todas la adaptaciones de comics al cine existentes. Por eso llama la atención que su próximo proyecto sea una secuela de Clerks, que ha subtitulado The passion of the clerks, con no cierta ironía hacia el último título del ultraconservador Mel Gibson.

¿Sera capaz Smith de retomar un film que no costó ni 100.000 dolares y que rodó de forma casi amateur en 16 mm hace ya más de diez años? La respuesta la veremos no dentro de mucho. Aunque le daremos nuestro voto de confianza a Smith, más que nada por haber parido la mejor comedia romántica de los 90 (Persiguiendo a Amy) y por regalarnos esos momentos míticos en el Quick Groceries, con Randal, Dante, Jay y Bob el silencioso... cruzemos los dedos.

Memento forma parte de ese grupo de películas que en un principio no llama demasiado la atención pero que con los años se acaba transformando en un film de culto. Esta cinta ha convertido a su director, el inglés Christopher Nolan en un nombre a seguir y le ha colocado a la altura de los grandes renovadores visuales de lo que llevamos de siglo (junto a Fincher, Paul T. Anderson, Aronofosky, Niccol, Snyder, Chan Wook y compañía). Y es que el segundo film del director de la aún inédita Batman Begins supuso toda una revolución en la manera de entender un film, ya que como el lector sabrá, está narrada de atrás hacia delante, desde el final al principio, todo ello debido a la particular enfermedad que padece el personaje de Guy Pearce, el cual carece de memoria reciente y su cerebro no es capaz de almacenar un solo recuerdo, esfumándose todo lo adquirido cada pocos minutos (estructura que también toma prestada Gaspar Noé en la imprescindible Irreversible). Esto le obliga a utilizar su cuerpo como si fuese un bloc de notas y a hacer del condicionamiento y del hábito un modo de vida cuyo fin es única y exclusivamente la busqueda de la venganza, la busqueda de John G. el tipo que violó y asesinó a su mujer.

El film fué duramente criticado por algunos sectores reaccionarios que coincidían en que el único atractivo que planteaba la película era la estructura narrativa, ya que según ellos, el guión ordenado de forma cronológica carecía de interés alguno. Pero Memento no es únicamente un juguete visual donde el objetivo es marear al espectador y confundirle, Memento es un complejo entramado de pistas y acciones que se van revelando poco a poco al público, de manera que este conoce a la vez que el protagonista lo que está sucediendo, contagiándole en cada momento la sensación de angustia y claustrofobia que infecta la cámara de Nolan durante todo el metraje. Todo ello aderezado con una serie de flashbacks que nos explican la historia de Sammy Jenkis, el tipo en el que Guy Pearce se apoya para seguir luchando en la búsqueda de John G.

Todas las interpretaciones de la película rondan la perfección, empezando por la del personaje protagonista hasta llegar a los habitantes de Matrix Joe Pantoliano y Carrie Ann-Moss. Pero Memento no es un film que habla de la vengaza como lo pueda ser Old Boy o Man on fire de Tony Scott, sino que es una película que habla de la búsqueda interna de un hombre, del mótivo que le hace que siga permaneciendo vivo cuando lo ha perdido todo, del engañarse a sí mismo para ser feliz, que es al fin y al cabo lo que la mayoría hacemos, olvidar, borrar de la mente (en este caso no forzosamente) algunos recuerdos para continuar siendo felices, como hace exactamente Leonar Shelby en esta magnífica película de Christopher Nolan.

No, este post no trata de esa absurda lista en la que se encumbraba al Rey Midas como el mejor director de la historia (es uno de los mejores sin duda, pero no el mejor!), por encima de genios como Hithcock, Kurosawa o Leone (aunque lo más preocupante de todo es el hecho de que Ridley Scott estuviese en esa lista), si no de la inminente acusación de plagio al director de películas como E.T. o Salvar al soldado Ryan. A mi lo que me sorprende es que unos tipos se atrevan a meterse en semejante berenjenal sin siquiera haber visto la película. Quizás sean ganas de darse algo de publicidad o lo mismo tienen razón. En fín, juzguen ustedes mismos, pero un tipo que ha hecho películas como El diablo sobre ruedas, Tiburón o Encuentros en la tercera fase, tiene todo mi respeto.

Aquí les dejo la noticia:

Fuente: abcguionistas

Olvídense desde ya de esos domingos resacosos, deprimentes y anodinos. Llevaba oyendo hablar de esta serie muchísimo tiempo, hice en su día intento de bajarla de internet, pero con resultados nulos. Hoy por fín, hemos podido ver Perdidos (Lost) en Tve1 en un horario un poco extraño pero que seguro habrá ganado adeptos en el día de hoy con motivo de la final de Roland Garros. La serie de J.J. Abrams("Alias", Mission Imposible III) ha cubierto todas mis expectativas, con un comienzo espectacular, el primer capítulo arranca con un tipo, Jack (Mathew Fox, el de Cinto en familia!) que despierta en una selva paradisíaca malherido y exhausto, tras recuperarse de sus heridas corre hacia una playa donde descubre que está en una isla y se da cuenta de la magnitud de la catástrofe a la que acaba de sobrevivir, un avión repleto de pasajeros se ha estrellado en medio de ninguna parte provocando cientos de víctimas. Más tarde, cuando se van conociendo entre sí y donde van surgiendo las primeras amistades y rencillas entre los personajes, descubrirán que algo habita en la isla junto a ellos y verán que su única posibilidad de contactar con la civilización a través de un transistor se va al traste debido a una señal de radio que está siendo emitida en la isla desde hace... dieciseis años.

Personajes carismáticos, una trama interna hábilmente cruzada con la trama principal, acción perfectamente dosificada y suspense, mucho suspense son los elementos que nos da Lost, serie de culto en todo el mundo y que por fín podemos ver por estos lares. Esperemos que la particularidad de horario que le han adjudicado a la serie no sea un inconveniente para su supervivencia (nunca mejor dicho) y podamos disfrutar de esta original propuesta televisiva a horas decentes y no a altas horas de la madrugada, porque amigos, yo estoy enganchadísimo y hace siglos que no me engancho a una serie de tv... desde Expediente X por lo menos. Es una de esas series que como Twin Peaks hace que uno se plantee de múltiples teoría e hipotesis, servidor ya tiene unas cuantas. Disfrútenla!

Para este mes está previsto en las pantallas españolas el estreno de El habitante incierto, de Guillem Morales, film que se pudo ver en Sitges en su última edición casi navideña. La película no es otra cosa que el primer lanzamiento del sello independiente Rodar y rodar, productora que pretende relanzar a los jovenes directores españoles procedentes del mundo del spot y el clip. Para su primera incursión cinematográfica se decantaron por el debut de Guillem Morales, un joven catalán que destacó en el mundo del cortometraje con una obra titulada Back Room, de una dureza visual poca vaces vista en el corto nacional. Si bien este film ha tardado lo suyo en encontrar distribución, Rodar y rodar vuelve a la carga con el inicio de la producción de El orfanato, que supondrá el debut de ese pequeño genio que es Juan Antonio Bayona, director de piezas cortas tales como Mis vacaciones y El hombre esponja y responsable, de entro otros, magníficos videoclips (sobretodo uno para O.B.K.). Por si fuera poco El orfanato cuenta con el apoyo en la producción del orondo mexicano Guillermo Del Toro, el cual quedó fascinado con el guión de Sergio G. Sanchez (que para variar también viene del corto, 7337 y Temporada Baja). Es llamativo que una productora nueva apueste de tal forma por dos películas de género de jovenes promesas españolas. A ver si cunde el ejemplo...

La recomendación del día de hoy no concierne a una película, si no a los comentarios de su director. Y es que si a ustedes les interesa eso de como se hacen las películas, pero no solo desde el punto de vista de la dirección, sino del guión, del desarrollo de personajes, la dirección artística o la producción, no se pueden perder los comentarios de Michael Mann en el dvd de esa joyita que parece no ser muy apreciada que es Collateral. Olvídense de anécdotas graciosas como las que cuenta Zack Snyder sobre el Starbucks en Amanecer de los muertos, aquí solo encontraran una lección de cine como la copa de un pino. Mención especial a la explicación de Mann respecto al desarrollo de la acción de los personajes de Jamie Foxx y Tom Cruise, donde cada palabra y cada gesto está minuciosamente cuidado, nada es casual en Collateral, o al menos, eso es lo que quiere hacernos creer Michael Mann. También muy interesante la reflexión que hace el director sobre el uso de cámaras de Alta Definición y su aplicación para mejorar la profundidad de campo. De paso, aprovecho para reivindicar el film y la actuación de sus dos actores protagonistas. A mí solo por ese momento coyote con Shadow on the sun de Audioslave ya me tenían ganado.