Del Toro, Cuarón e Iñarritu. Tres apellidos mexicanos, tres directores consagrados y tres obras redondas. Ahora copan portadas realmente merecidas, sobretodo en el caso de Cuarón, que ha firmado lo que es hasta el momento, la película del año. Dejando la maravillosa Children of men para un análisis próximo y a falta de ver Babel, la película que nos ocupa es la fantástica (en ambos sentidos) recreacion de la posguerra española a manos de Guillermo Del Toro. El laberinto del Fauno es un precioso cuento sobre el origen de los miedos, sobre la necesidad de recurrir a un mundo de fantasía para aislarse de la brutalidad que invade a la realidad, en este caso la violenta España de 1944, donde los fascistas intentan acabar con la resistencia de la izquierda maqui. La película adopta la peculiar visión de una niña, Ofelia, que ante la crueldad que rodea a su entorno, decide recrear un universo de fantasía propio como método de evasión.
La estructura de la película está claramente diferenciada en dos partes, una en la que un extremo hiperrealismo intenta reflejar la sordidez de la posguerra española y otra en la que el mundo fantástico se apodera de la trama. Y es en esta última donde la película fluye con mayor ritmo, potenciado por la portentosa interpretación de Ivana Baquero, una actriz que con tan solo trece años, ha conseguido conjugar magistralmente la ternura y el miedo (y que ha rodado ya a las ordenes de Paco Plaza). Y si bien Ofelia es la princesa de este relato, un insólito Sergi Lopez se nos presenta como la recreación de la crueldad en estado puro, un personaje que lejos de sepresentar un retrato histórico verosímil, es visto en todo momento como el malvado del cuento. La película juega con la ambiguedad de la ficción/realidad en una película que utiliza esta propia ficción para narrarnos un periodo histórico real, es por ello que en ciertos sectores se critique ese maniqueísmo de los personajes, echando en cara a Del Toro el posicionamiento manipulativo en un único bando. Si bien en el film hay clara diferenciación entre malos y buenos, el espectador interpreta la figura del Coronel Vidal como la representación absoluta del mal, llegando al extremo de ser su personaje el que da miedo al espectador y no los monstruosos seres que habitan la mitología de la película.
Del Toro rueda con crudeza y no escatima a la hora de mostrar explicitamente imágenes impactantes que se graban en la retina (como la secuencia del granero) y demuestra un gusto exquisito a la hora de utilizar el latex, en pro del delirio digital al que estamos (mal) acostumbrados. Ambos universos se entrecruzan a la perfección en la película, aunque durante el tramo final el mexicano hace hincapié en la realidad para dejar de lado la fantasía, que toma las riendas en un final sorprendente, arriesgado y valiente. El laberinto del fauno adopta la forma de un cuento mitológico, en el que ejerce como medio para explicar la muerte, el espectador es el que decide en la dualidad argumental si las ensoñaciones de la niña son reales o pertenecen a su mundo de fantasía. Del Toro recrea como narrador sus propias herramientas como cineasta: el uso de la fábula para sustituir un mundo presente del que en ocasiones es mejor aislarse, ya sea mediante la creación cinematográfica o por medio de los cuentos de hadas para eludir una guerra civil que jamás debió suceder.

Tienen otra visión del film de la mano de Saricchiella aquí.

En realidad no es un resumen del festival, si no de la decena de películas que pudimos visionar en esta última edición del Festival Internacional de Cinema de Catalunya, en un fin de semana memorable y lleno de miticidad, marcado por el reencuentro de grandes amigos y por el descubrimiento de otros. Una edición marcada por la ausencia del gran homenajeado David Lynch, pero en el que se han podido ver varias de las mejores películas que han pasado por el festival en muchos años. Aprovecho para decirles que no se pueden perder El zar de lo bizarro, el libro que acompaña a la edición española de Fuego camina conmigo, escrito por el grande y talentoso Javier J. Valencia.

La primera película que nos echamos a la cara fue Minotaur, una especie de peplum europeo que si bien tiene un arranque interesante, se torna en un splatter chungo al uso, con frases celebres como "Te tragaste sus palabras como la leche materna" y demas perlas. Un delirio de hora y media plagado de topicazos que hizo las delicidas del público más gamberro del Auditori, que salió de la sala al grito de ¡Minotaur!. Dragon Tiger Gate es una demencial cinta de acción made in Hong Kong que hará saltar de las butacas a los fans acérrimos de Donnie Yen y sus patadas imposibles. A destacar una dirección desbordada con planos muy imaginativos solo posibles en una película que rescata el más puro espíritu del comic chino de artes marciales. La primera sorpresa del festival fue The abandoned, el último producto de la incombustible Filmax de Julio Fernandez, dirigido por el hasta ahora siempre prometedor Nacho Cerdá (Genesis, Aftermath) anclado en el cine de terror clásico. La película sobresale por la creación de una atmósfera aterradora (cuyo máximo responsable es el genial Xavi Jimenez) y una dirección apabullante, que no deja apenas un segundo de respiro y crea verdaderos momentos de horror puro. Lástima que el director se tome demasiadas licencias en su faceta de guionista, aún así, Los abandonados es una maravillosa muestra de terror que esperemos sea el despegue del talento de su director. La polémica invadió al festival con The Fountain, la última película del norteamericano Darren Aronofsky. La película protagonizada por un inmenso Hugh Jackman y una cada vez menos secundaria Rachel Weisz, es probablemente, la película más pretenciosa que jamás haya tenido el placer de ver. Ambientada en tres epocas, con un trasfondo filosófico (que algunos ya han definido como new age) y una estructura cíclica, el film es un maravilloso ejercicio de complejidad formal y a la vez ideas primigenias, que removerá a la crítica pero que sin duda, será una de las mejores películas del año.

La prometedora Brick decepcionó un poco a la platea, ya que pese a la originalidad de la premisa (un film noir ambientado en la high school americana) la película de Rian Johnson pierde fuelle a medida que avanza la complicada trama que le obliga a recurrir a una insultante explicación final. De todos modos, la película entretiene y arranca alguna que otra carcajada, especialmente en el momento de la persecución o aquel en el que la madre sirve cereales al líder mafioso adolescente. The ungodly es una interesante coproducción entre España y EE.UU, en la que un documentalista sigue la pista a un asesino en serie con la intención de relanzar su carrera profesional. La situación se complica cuando el protagonista se implica hasta límites inimaginables en los crímenes. Una interasente visión del cine de psychokillers, con un Wes Bentley irreconocible y un final algo bizarro (demasiado). La poderosa cinta firmada por el mexicano Alfonso Cuarón (responsable de la mejor recreación de la saga Harry Potter) podría considerarse desde ya una película de culto. El largometraje es una representación de la sociedad futura al más puro estilo distópico orwelliano, ambientada en un año 2026 donde la esperanza de la continuidad de la raza humana ha desaparecido por completo. Una road movie apocalíptica rodada con una maestría ténica insuperable (impresionantes los larguísimos planos casisecuenciales, combinados con una infinidad de artimañas argumentales) y que te obliga a mantener abiertas las mandíbulas durante toda la proyección. Vigorosa y perfecta, con un guión redondo y sin fisuras, un diez como la copa de un pino.

La sorpresa del festival para el que esto escribe, vino en forma de cinta de animación con denominación danesa, Princess la ópera prima de Anders Morgenthaler, una película que mezcla de forma magistral religión, pornografía, imagen real, violencia extrema y venganza. Un cocktail arriesgado que no dejó indiferente a nadie y que desgraciadamente, tuvo una acogida mínima en el palmarés final. The Wicker man es un remake del clásico de los 70 que no merece ni ser analizado, una basura de hora y media aburrida, realizada con desgana, sin sentido y que merece hundirse en el más hondo de los olvidos (atención a la cara de palo que se gasta el bueno de Nicolas Cage). Sisters es un remake de la cinta homónima del inimitable Brian De Palma a cargo del incombustible Douglas Buck (con el que compartimos tertulia y cervezas). La película se descubre entretenida y con buenas dosis de morbo al más puro estilo Cronembergiano, pero como bien dijo forfy, es absurdo remakear a un director que basa su cinematografía (y en concreto esta película) en reciclar a su manera películas que ya están realizadas anteriormente. Por último Fido de Andrew Currie es una maravillosa película clásica cómica y que puestos a comparar, es un cruce entre el universo Douglas Sirk y las mejores cintas de George A. Romero. El resultado: zombis en la época del sueño americano y abuelas de la década de los 50 que se comen al jardinero a mordiscos. Una delicia que gustará a grandes y pequeños y en la que únicamente se echa de menos un poco más de mala baba.

Y esto es lo que dió de sí nuestra última expedición a un festival de Sitges que el año que viene homenajeará a una de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos: Blade Runner. Mientras esparemos con devoción las noticias que nos irán llegando poco a poco y pese a las decepciones y ausencias, el año que viene no faltaremos a esta cita con el cine de género, no lo duden.

Nuestros amigos más demenciales vuelven con nuevas aventuras. En este episodio de Venga Monjas, un señor intenta venderle a una pobre ama de casa un pedo de la Madre Teresa de Calcuta. Ante semejante premisa, no pueden perderse este nuevo sketch de los verdaderos reyes del youtube.

Mientras, servidor marcha a tierras catalanas para adentrarse hasta el domingo en el Festival Internacional de Cine de Sitges, junto al mítico forfy. A la vuelta una crónica completa de las películas visionadas, anécdotas, borracheras y demás locuras.

Sed buenos.

Aquí en España se llamó Defensa y su director fue el mítico John Boorman. Y parece no ser casual que a toda una generación de directores españoles les haya influído en demasía en sus debuts como directores. Primero fue Koldo Serra con su prometedora (y que aún no he tenido el placer de ver) The Backwoods, lo será Gonzalo Lopez-Gallego con El rey de la montaña (que no debuta en el largo, pero sí en 35 mm) y ahora lo hace Jorge Sanchez-Cabezudo con la excelente La noche de los girasoles. Las tres parten de una premisa similar, personas normales que se ven envueltas en una situación extrema, un asesinato, ambiente rural y escopetas de caza. La evidencia nos hace pensar en una influencia generacional en estos realizadores por parte del cine de los años setenta, con Deliverance y Peckinpah a la cabeza. Todo ello unido a una corriente española en los mismos años que fue magistralmente representada por cintas como Furtivos o La caza de Saura. Si los resultados son tan maravillosos como en los citados, recemos para que no decaiga esta última hornada del cine español.

En el caso que nos toca, La noche de los girasoles surge como una película a reinvindicar, un film que entre todos debemos sacar del limbo de la cartelera para que no se hunda en el olvido de las cintas españolas interesantes que se ven engullidas por el gigante norteamericano. La pelicula de Sanchez-Cabezudo, es un thriller rural perfectamente hilado, con un guión soberano que llama poderosamente la atención. La trama encaja como un rompecabezas y arranca de una manera tan enérgica, que puede incluso decepcionar por la linealidad posterior, pero igual de brillante. La estructura recuerda a clásicos como Rashomon, Atraco Perfecto o la más reciente, Jackie Brown. Una misma historia vista desde varios puntos de vista, que lejos de resultar redundantes, aportan a la historia pinceladas de maestría. La película habla de las reacciones humanas, de la falta de precisión a la hora de concebir el bien y el mal, de la falsa justicia y el autoengaño. Pero también nos introduce en uno de esos pueblos del interior de España, que poco a poco se convierten en abandonados, casi fantasmales, poblados por ancianos solitarios y a los que nadie va a echar en falta jamás. Los actores (hasta Mariano Alameda) cuadran sus papeles, destacando Celso Bullago y la maravillosa Judith Diakhate, todo un descubrimiento y futuro premio Goya revelación.

Los setenta invaden nuestro cine, no dejen de descubrirlo ustedes mismos.