Este próximo domingo 30 de Septiembre, a las 19:00 horas, emiten nuestro cortometraje La habitación contigua en el canal de la TDT Veo Televisión. El corto será programado dentro del espacio Veo en Corto, dedicado en exclusiva al mundo del cortometraje. El programa se volverá a repetir el lunes o el martes próximo, a las 17:00 horas. Si no lo habeis visto, podeis de paso inmiscuiros en el maravilloso y desconocido mundo de la TDT. Junto al corto programarán alguna pieza más, así que merecerá la pena. Por cierto, que las referencias que me llegan en torno a este programa son excepcionales, por lo pronto se han comprometido a enviarme un DVD con el programa, que no es poco. Si pinchan aquí, pueden acceder a la web del programa presentado por Bárbara González. Ya me contarán.

La caja Kovak parece reunir todos los elementos característicos del último cine de Julio Fernández y la factoría Filmax (The Backwoods, The Machinist o Los abandonados). Es decir, trama fantástica, lenguaje anglosajón y rostros más o menos conocidos. En este caso, la película está protagonizada por un Timothy Hutton bastante correcto y por una Lucía Jimenez que ejerce como puede el papel de scream queen. Y aunque la película parece un pastiche entre Frenético, The Ring y En la boca del miedo, La caja Kovak termina convirtiéndose en un festival de influencias bastante honesto. La culpa la tiene en parte un sólido guión elaborado a cuatro manos por el maestro Jorge Guerricaechevarría y el director Daniel Monzón, que firma con esta su tercera película y parece afianzarse dentro del género fantástico español. Así pues, La caja Kovak no nos ofrece nada nuevo, pero llama la atención por esa indagación en los mecanismos de la creación, en particular de la literatura de ciencia ficción, en una historia donde un escritor de renombre es invitado a una conferencia y sin quererlo, se ve involucrado en una serie de suicidios aparentemente relacionados.
La película, que por momentos recuerda demasiado a The Game de David Fincher, reflexiona sobre la influencia de la ficción en el mundo real, de la involuntaria responsabilidad de los creadores a la hora de concebir un mundo de tramas no tan irreales. Hace unos días, con motivo del aniversario celebrado por la editorial especializada en ciencia ficción Nova, leí una entrevista realizada al director vasco Álex De La Iglesia. El cineasta, confeso seguidor de novelas fantásticas, expresaba su decepción en torno a que con el tiempo, la realidad ha visto como las profecías futuristas recogidas en las novelas no se han materializado en absoluto. Quizá a lo que se refería De La Iglesia es al afán de los aficionados al género, a que las hipótesis literarias se materialicen de forma tangible en nuestra realidad. La caja Kovak teoriza sobre todo esto, con una trama casi Hitchcockiana de impecable factura, donde quizá falte cierto riesgo en el guión y un diseño de personajes algo más sólido. Sin embargo, Monzón demuestra que es un director excelente, y lo hace regalándonos algunas de las mejores secuencias del cine patrio de los últimos años: me refiero evidentemente a ese plano magistral que recoge a Lucía Jiménez en la ducha y que se aleja lentamente hasta salir de la ventana y bajar a una cafetería, mientras oímos la misteriosa canción Gloomy Sunday, y que termina con el cuerpo de la chica cayendo desnudo a través del toldo.

Desde Impawards.com nos llega el primer diseño para el cartel americano de la última película de Álex De La Iglesia. Ya queda menos...

Desde hace unas semanas, un gusanillo me recorre el cuerpo, me sube por la boca del estómago y se asoma diciendo: este sí, este sí. Este ha sido un año en el que hemos estado a punto de dar luz verde a varios guiones, en una búsqueda sincera hacia la historia que nos convenciese a todos, dejando atrás otros proyectos que o bien no cuajaron o han sido imposibles de realizar en base a un presupuesto muy reducido. Pero esta vez parece que sí, lo tenemos. Ahora comienza un proceso difícil, duro, utópico y terriblemente satisfactorio a la hora de buscar los actores ideales, las fechas perfectas y la producción más inteligente para ajustar esta historia sin tener que embargarnos ni secuestrar a nadie. Volvemos a rodar con poco dinero, a pedir favores, a rogar amablemente y a luchar por llevar a la pantalla unos pocos minutos de cine. Volvemos a subirnos al carro del cine de género, pero esta vez desde una óptica extraña, esperemos que insólita, con el objetivo de darle la vuelta a ciertos roles y estereotipos que nos molestan. Cuatro desconocidos son citados en un bar durante una fría noche del Madrid de los años cincuenta. Sin saberlo, poseen algo en común, una cualidad por la que son reunidos por un misterioso anciano que parece conocerles. ¿Un embaucador? Esta es la sinopsis a la que daremos vueltas todos los miembros de Déjà Vu Films, Raúl y yo durante mucho tiempo, espero que para llegar a buen puerto. Aquí les dejo una de las magníficas ilustraciones que ha realizado ROMANO para el dossier del proyecto. Ah, se me olvidaba, se titula El embaucador.

La habitación contigua participará durante los días 22 al 29 de noviembre en el festival Icaro X Festival de cine y video en Centroamérica, que se celebrará en la Ciudad de Guatemala (Guatemala). La pieza se podrá ver en la categoría de Cortometraje de Ficción Extranjero, donde compartimos selección con obras de España, Argentina, Cuba y otros paises. Tienen más información sobre el certamen y su programación en la web del festival, pinchando aquí. Es la segunda vez que cruzamos el charco, ya que estuvimos en Venezuela, esperemos que no sea la última. ¡Yeah!

A riesgo de que ustedes me acusen de estar a años luz del resto de seres humanos, he de confesar que a estas alturas, con la primera temporada de Héroes recién salida en DVD en EE.UU y a un mes del estreno de la segunda en la NBC, todavía no he podido ver todos los capítulos (acabo de comenzar el segundo ecuador de la serie). Y es que en estos tiempos de stress y bombardeo audiovisual, apenas existe tiempo material para revisar todas las series o filmes que uno quisiera como espectador. La verdad es que a medida que avanzan los capítulos, Héroes va ganando peso frente a los caóticos y algo decepcionantes primeros episodios. No voy a negarlo, estoy terriblemente enganchado a las andanzas de Hiro Nakamura y compañía, aunque me gustaría destacar algunos elementos de la serie que me sorprenden pasen desapercibidos. El primero es el ENORME parecido de Héroes con Perdidos, se que es difícil ser objetivo cuando uno ha entregado su alma a una de ellas, pero por momentos las series de Tim Kring y J. J. Abrams podrían pasar por almas gemelas: desde los créditos minimalistas del inicio, la presencia multicultural en el casting, el enfrentamiento entre ciencia y fe, pasando por un punto de vista focalizado de los personajes y los arcos, hasta la idea del uso del cliffhanger y de la música.

Los aficionados que viven en Madrid, tienen una cita con el cortometraje este fin de semana. Hoy viernes, a las 21:00 horas, se estrena el cortometraje Romeo, dirigido por David Velduque y Alicia Holgado. "Gustavo ha invitado a Lucía a cenar en su casa por primera vez; una cena íntima y romántica. Ella está tan ilusionada con la idea que llega pronto a la cita. Pero Gustavo ya lo tiene todo preparado: dos platos de carne sobre la mesa y una botella de vino". Esta es la premisa argumental del cortometraje, una historia de terror psicológico descrita por sus autores como "algo extraña e inclasificable". La cinta está protagonizada por el propio David Velduque, Trinidad Jiménez y Fernando Tielve. La proyección tendrá lugar en el Lola Bar, ubicado en la Calle Reina, nº 25, metro Gran Vía. Tienen más info sobre el estreno aquí, en la web de Háztelo Mirar Entertainment, que también produce el cortometraje. Lo dicho, no pueden perdérselo, más abajo pueden ver el trailer.

Cada vez que Quentin Tarantino estrena una nueva película, tanto los seguidores del director como los medios de comunicación no dudan en tildar el momento de acontecimiento cinematográfico. Y es que no es casual que la revista Cahiers Du Cinema España haya dedicado su última portada, junto a la china Naturaleza muerta, a la quinta película del director de Pulp Fiction. El motivo de que siga siendo uno de los directores que más expectación provoca, lo encontramos en este Death Proof, donde Tarantino demuestra que es un autor extraordinario, sobretodo porque el cineasta se empeña en dejar su reconocible huella en cada uno de los planos que filma. Su fragmento para la sesión doble de Grindhouse, lejos de ser únicamente una película referencial como lo era en parte Planet Terror, se configura como una pieza fascinante que nos ofrece dos películas en una. Tarantino no solo ubica su película en un contexto de serie B de los setenta, sino que empapa su argumento y dota a los personajes de ese espíritu de forma explícita, encarnando muchos de ellos a personajes que bien podrían haber habitado esa época, no solo como personajes de ficción, sino como creadores de las mismas. Tarantino vuelve a jugar con la estructura y las expectativas del espectador.
En una primera parte, nos encontramos con lo que parece un slasher atípico, ya que las (terriblemente) atractivas chicas objeto del acecho del psicópata, son partícipes de un diálogo puramente Tarantinesco, que recuerda por momentos a las conversaciones en torno a la cultura popular que pueblan Reservoir Dogs. El espectador, desorientado ante el rumbo de la película, es objeto de un bombardeo de guiños propios, cameos (¡Eli Roth!), crípticas referencias fílmicas, encuadres y cambios de eje sobrecogedores y más de un extraordinario momento musical. Pero la recepción del espectador se modifica a raíz de la gran secuencia de la película, una de esas que erizan la piel y te estampan contra la butaca, haciendo que el tiempo fílmico se detenga. La secuencia del accidente, que parte la película en dos, es una demostración de asombrosa valentía técnica y demuestra que en la época de los efectos digitales (los mismos a las que aluden Rose McGowan), aún es posible sorprender al espectador con talento, recursos artesanos, humanos y reales.
El sanguinolento accidente visto desde varios puntos de vista, que no es más que un puñetazo continuo a la mandíbula del espectador, es digno de entrar en el zenit de la historia del cine y dentro de la película, supone el primer giro para el espectador, que siempre contempla desde la estupefacción. La segunda parte de la película no tarda en mostrarnos de nuevo a Stuntman Mike, el psicópata que encarna magistralmente el mítico Kurt Russell, quien une a éste viejo especialista de cine a su galería de tipos duros, donde destacará por siempre el gran Snake Pillsen. En ese momento del metraje, el espectador ya sabe de lo que es capaz de hacer el personaje de Russell y nos muestra a otro grupo de chicas que parece serán el objetivo de la mente enfermiza de Mike (cuyo modus operandi parece rememorar al de los personajes de Crash, de David Cronemberg).
Sin embargo, Tarantino toma otro rumbo y conmociona a la platea con una segunda parte sorprendente, donde los personajes femeninos son muchos más crueles si cabe que Stuntman Mike y donde los roles se invierten, noqueando al espectador debido a la diferencia con la primera parte: ya no estamos ante un slasher, sino ante una cinta de acción puramente adrenalítica y gamberra, hilvanada por una maratónica persecución de coches digna del mejor Frankenheimer, a la que añade un final que roza el delirio (mientras homenajea a Russ Meyers y Vanishing Point) y que se desenmascara con las verdaderas intenciones lúdicas y desprejuiciadas del director. Cabe destacar la extraordinaria labor de Zoë Bell como stunt, ya que su personaje cabalga como pocas veces hemos visto en una película de género entre la realidad y la ficción. Parece que con este personaje, Tarantino pretende homenajear a un gremio desprestigiado por la industria, pero muy importante a la hora de fecundar este tipo de productos.
Las actuaciones soberbias del apartado femenino al completo confirman lo que todos sabíamos, que Tarantino es un excelente director de actrices, actrices que rememoran el espíritu femenino de Kill Bill y en general de la mujer fatal del cine de serie B de los setenta. Además, Death Proof usa a la perfección la tensión sexual no resuelta y Tarantino rodea a la película de un extraño halo de sensualidad y morbo (véase la secuencia de Lap Dance). Sorprende encontrar esta vez al propio director al frente de los créditos de dirección de fotografía, aunque vuelve a demostrar un dominio absoluto en el uso de los maravillosos temas musicales que dominan la película. Death Proof es quizá una obra menor en la filmografía de Quentin Tarantino, pero estamos ante su película menos pretenciosa, lo que se traduce en una cinta terriblemente divertida, es decir, en el paradigma absoluto del cine de evasión contemporáneo. Tarantino nos convence de su obsesión multigenérica y sobretodo, de su pasión por el cine no solo como cineasta, sino como espectador. Por cierto, existe un interesante blog en español sobre la película, pinchen aquí.